Fue uno de los pilares fundamentales del new romantic más elegante y glam, gracias a figuras cercanas como Spandau Ballet, Roxy Music y Jerry Hall. El diseñador inglés Antony Price es símbolo de un importante momento en los ’80 pero también de una nueva colección, la que lanzó junto a 16Arlington. Fue en ese mismo momento donde Lily Allen debutó como modelo, donde Price reapareció con ajustados vestidos y trajes masculinos brillantes.
Es uno de los iconos originales del punk, tanto musicalmente como por su estilo. ¿Se acuerdan de las poleras agujereadas de Balmain que ideó Christophe Decarnin y causaron furor con un precio de U$3,000? Totalmente inspiradas en las camisetas que este artista llevó hacia fines de los ’70. Porque Richard Hell no solo se convirtió en el impulsor de importantes bandas pioneras como Television (la primera en tocar en CBGB) y The Voloidz, sino también en el creador de Blank Generation, un album fundamental en el estilo y todo un fashion icon postmoderno.
El mundo de la moda explota la rivalidad eterna entre creativos de distintas casas y conglomerados. Que McQueen y Galliano se odiaban, que Saint Laurent peleaba con Lagerfeld por hombres y que Coco Chanel denostaba a casi todos sus colegas. Más allá de la negatividad y los rumores, muchos diseñadores se convirtieron en cercanos o forjaron una que otra relación de amistad, de menor o mayor cercanía. Aquí les dejamos nostálgicas postales de grupos de diseñadores, dúos o tríos que nos recuerdan que a pesar de la competencia existe humanidad.
Hace exactamente veinte años, Phoebe Philo deslumbraba como Directora Creativa de Chloé. Luego que Stella McCartney decidiera lanzar su marca homónima y dejar la maison francesa en 2001, Philo dejó de ser su mano derecha para convertirse en la estrella y con ello llegaron los hits: el sello boho se hizo aún más notorio, dejando sobre todo ese mix que hoy funciona tan bien con Chemena Kamali, los baby dolls ligeros y las chaquetas de cuero. Pero uno de los éxitos más recordados es justamente otro que volvió hoy: el bolso Paddington, uno que llevó cada celebridad y que incluía un gran candado.
Una de las personalidades más famosos y talentosas de la moda es Cecil Beaton. El multifacético artista, que vive a través de su trabajo en la fotografía, el cine, la ilustración y el diseño de vestuario, no solo implantó un estilo inconfundible sino también una manera de vivir la vida única, casi al servicio del estilo. El documental “With Love, Cecil” (2017), nos da una mirada a su particular mundo, mientras algunas de sus imágenes más populares combinan ambos trabajos: en 1966, el inglés publicó una editorial en Vogue US donde mostraba con ayuda de sus modelos favoritas, el vestuario que confeccionó para la ópera “La Traviata” presentada en Nueva York en imágenes que tenían a Marisa Berenson y Barbara Bach, entre otras.
Hacia fines de 2019, uno de los últimos discípulos directos de Cristobal Balenciaga y un gran couturier francés nos dejaba: Emanuel Ungaro. Miembro de la elite de la moda y la haute couture desde los años ’60, Ungaro fue símbolo de estampados, rayas y atrevimiento a través de sus colecciones, que pueden verse en páginas de revistas vintage como Vogue y L’Officiel. Sin embargo, otra labor poco conocida de su carrera es la de creador de vestuario para diferentes personajes de películas, siendo la más reconocida quizás “Gloria” (1980) de John Casavettes, aunque también vistió a Isabelle Huppert en “La Truite” (1982) y Catherine Deneuve en “Manon 70” (1968).
“Why Marianne Faithfull matters” es el nombre de un libro escrito por Tanya Pearson que detalla el impacto e influencia de la cantante y actriz en la autora. Más allá de sus comienzos siendo descubierta por The Rolling Stones, vinculada constantemente a Mick Jagger y tildada de musa del rock por muchos (“Wild Horses” estaría inspirada en una frase que Faithfull diría en una de sus recaídas al hospital por las drogas), la inglesa fue desde siempre algo que la moda intuyó: un referente perfecto de los años ’60. Desde casas como Chloé hasta it girls posteriores como Kate Moss y Alexa Chung, todos se alimentaron del imaginario que la protagonista de “Girl on a motorcycle” dejaría a través de imágenes.
¿Se acuerdan del desfile de los 40 años de Sonia Rykiel, donde la hija de la diseñadora le pidió a varios de sus colegas representarla a través de un look? La admiración entre creativos de casas parisinas también forma parte del sistema, no solo peleas y rivalidades. La generación que emergió en pleno auge del prét-â-portèr en París -hacia mediados de los años ’70-, coincidió en una revolución que los tuvo como aliados y amigos, donde destacaron algunos como Gaultier, Yamamoto, Kawakubo y la misma Rykiel. En ese mismo grupo estaba Jean-Charles de Castelbajac, quien planteó una idea pop en las pasarelas que siguieron otros como Franco Moschino. Castelbajac miraba con nostalgia a su grupo de colegas en 2004 cuando incorporó homenajes inéditos a algunos de los nombres más grandes, entre ellos Paco Rabanne, Martin Margiela, el propio Yohji y Christian Lacroix, entre varios otros.
A mediados de los años ’50, la moda italiana instalaba en su inconsciente a varias marcas gracias a jóvenes talentos que ayudaron a establecer una original industria. Roberto Capucci y Emilio Pucci se unieron a Gucci, mientras en 1954 apareció la marca que revolucionó los tejidos con una frescura y atrevimiento único: Missoni. Fundada por Ottavio y su esposa Rosita -quien falleció a los 93 años el 02 de enero-, Missoni reinterpretó los trajes de dos piezas, vestidos y estampados tejidos con ayuda de modernos estilos, reinterpretación de los años ’20 y ’30 y hasta fashion shows realizados en piscinas.
Fotos: Anton Bruehl para US Vogue, 1 de febrero de 1939.
Comenzamos un nuevo año, el mismo que sitúa a la película “Her” de Spike Jonze, por ejemplo, la melancólica cinta donde Joaquin Phoenix se enamora de su Alexa. La tecnología nos acecha y por ello, ya en los años ’30 se hablaba de autos voladores y mucho más, mientras revistas como Vogue hacian presagiar trajes como los de estas páginas: nueve diseñadores industriales pronosticaron looks en base a a New York’s World Fair de ese año, debutando sus estilos en la misma feria. “Las mujeres del futuro viajarán rápido y por ende con maletas ligeras”, señalaba Raymond Loewy. “Puede almorzar en Nueva York y viajar de inmediato a California. Si le abres el cierre de las mangas, se convierte en un vestido de noche y el gorro tiene un visor Polaroid”, completa el diseñador de ferrocarriles y envases de lápiz labial.
Uno de los grandes ilustradores de moda de la historia apareció como parte de la serie sobre la vida de Halston, protagonizada por Ewan McGregor, que se lanzó hace un tiempo atrás. Joe Eula no solo fue su mano derecha por más de diez años en la marca sino también uno de los más cercanos a su vida privada. En Halston se convirtió en una especie de Director Artístico incorporando fotografía, sets y diseños a la casa. Sin embargo, Eula mantuvo otras funciones cercanas a la moda que no muchos conocen: además de ilustrar campañas de grandes maisons, ilustó posters para presentaciones de Liza Minnelli, discos y sets para fotografías icónicas de su amigo Milton H. Greene.
Un estilo clásico de los años ’60, entre beatnik y rockero pero siempre con estilo propio. Así podríamos definir al cantante Bob Dylan, quien hoy vuelve a la palestra gracias a su biopic protagonizada por Timothée Chalamet, “A complete unknown”. Allí el joven actor encarna al músico en una etapa temprana, cuando su alborotado cabello, las bufandas y los cigarrillos eran parte de su imagen, poco antes de explotar en la fama.
Si algo nos han enseñado numerosos documentales como “The 90s” o “Editor’s Eye” es que el trabajo de una editora de moda significa mucho más que dar con el look necesario para una foto. En Vogue, especialmente, son varias las legendarias figuras que han marcado el oficio, para el cual se necesita un ojo entrenado e instinto, pasión por el zeitgeist y camaradería con el fotógrafo. Así nos enseñó Polly Mellen, la editora que falleció hace algunos días y quien antes de retirarse hacia principios del 2000 dejó una gran huella en numerosas editoriales, incluyendo la de la serpiente con Nastassja Kinski con su eterno Richard Avedon, aportando al erotismo de Helmut Newton o dando con los looks de la polémica sesión del baño de Deborah Turbeville. Forever Polly Mellen.
Es uno de los nombres más importantes y también desconocidos de la moda y las celebridades. Peter Savic se ha encargado de dar el toque en el pelo de las famosas y modelos a través de varias décadas, llegando a trabajar para Harper’s Bazaar, Vogue y también para nada menos que Madonna, a quien peinó en varias ocasiones icónicas como portadas de discos, revistas y presentaciones.
Durante el fin de semana pasado se estrenó la esperada miniserie sobre Karl Lagerfeld, “Becoming Karl”, y por supuesto estuvimos atentos a cada capítulo. Daniel Brühl deslumbra con su interpretación y hay varios momentos donde la moda se une a su vida personal, así que les dejamos cinco datos que aprendimos viendo los seis capítulos que ya están disponibles en Disney+ y que cruzan todo tipo de situaciones y personajes.
No es tan reconocido como Irving Penn ni extremadamente popular como Richard Avedon. Sin embargo, el fotógrafo sueco Gösta Peterson delineó silenciosamente una era que aún se ve replicada en revistas y editoriales: los ’60, con todo el Swingin’ London, mod y Youthquake que incluye. Peterson trabajó retratando a estrellas como Twiggy, campañas para Rudi Gernreich y muchas imágenes que se mantienen en el inventario popular de aquellos años.
Hoy existen varios nombres de la moda de origen latino que triunfan en París u otros horizontes reconocidos del medio. Sin embargo, los pioneros en viajar y establecerse a pesar de las dificultades (idioma, cultura y lejanía), no son pocos pero si lo es la info que encontramos sobre ellos online. Durante la década de los ’80, Eduardo Bobadilla se convirtió en toda una sensación en la modelaje masculino; viajó desde su natal Jalisco hasta París para establecerse con una larga carrera en revistas y pasarelas.
Entre los años ’70 y ’80, lideró las editoriales de revistas como Harper’s Bazaar y Vogue gracias a su trabajo dedicado a la moda de aquellos años. El fotógrafo italiano Renato Grignaschi ideó campañas para Valentino, Giorgio Armani y Loewe, mientras recorrió el mundo fotografiando a rostros famosos del cine para la edición norteamericana de Vogue. Aquí repasamos su olvidado trabajo que ahora se mantiene en archivos e inspira a nuevos artistas que crecieron admirando su trabajo en los años venideros.
Con el estreno de la nueva saga de Ryan Murphy, “Feud” -la que esta vez tiene a las Swans de Truman Capote como protagonistas-, conocer la vida de aquellas mujeres de alta sociedad nunca fue más relevante. Si hablamos de la era de oro de la vanidad, el lujo, las fiestas y mucho más, los años ’60 y ’70 compiten codo a codo con los ’50 y su esplendor, donde comenzaron a emerger ciertas dinastías dedicadas al ocio. Una de las mujeres más famosas de esta cofradía del jet set internacional fue Nan Kempner, norteamericana que además de viajar por el mundo casi todos los días, se convirtió en la mayor coleccionista de ropa de Yves Saint Laurent, por ejemplo, algo que le valió su propia exhibición en el MET en 2006.
Estudió Ingeniería, Psicología y Fotografía, carrera que finalmente ejerció con mucho éxito durante los ’70 y ’80. Stan Malinowski fue uno de esos artistas del lente que acompañaron publicaciones como Vogue y Harper’s Bazaar por varias décadas, consolidándose como uno de los norteamericanos detrás de retratos de Gia Carangi y Reneé Simonsen, por ejemplo. Luego de trabajar junto a Anna Wintour en Penthouse, se convirtió en el fotógrafo oficial de Christie Brinkley, Cindy Crawford y Carangi, entre muchas otras modelos que marcaron la década más glamorosa de todas. Luego de una larga carrera marcada por retrospectivas en museos y publicaciones, falleció el 06 de marzo de este año.
Cada año desde 2021, la casa francesa de Jean Paul Gaultier lanza una esperada colaboración con algún joven diseñador o incluso un consagrado de la moda. Como parte de una mirada futurista -la que anunció en 2020 el retiro del mítico rebelde francés-, Gaultier ha puesto de moda el trabajar a la par junto a otro talento, al igual como Miuccia Prada dió lugar a Raf Simons para la dirección creativa en Prada. Con esta dirección temporal hemos visto pasar a Chitose Abe, Olivier Rousteing, Haider Ackermann y últimamente Simone Rocha, mientras el anuncio para su próxima colaboración no se hizo esperar: el Director Creativo de Courrèges (@courreges), Nicolas di Felice (@nicolas.difelice), será el próximo invitado.
Cada año, los museos de moda del mundo se dedican a lanzar sus nuevas exhibiciones, específicamente durante los primeros meses. Para el Museé Yves Saint Laurent ubicado en París, la amplia historia del famoso diseñador argelino y el exhaustivo archivo que poseen sirve como base para distintas temáticas, que este año se entregan a una muy particular: como uno de los pioneros en transparencias en la ropa, Saint Laurent llega con “Sheer:
The diaphanous creations of Yves Saint Laurent”, la que estará abierta hasta fines de agosto de este año.
Podría ser considerada como una de las primeras influencers en la historia de la moda. Josefina Bonaparte, esposa de Napoleón y emperatriz de Francia, es reconocida como un ícono del estilo por su forma atrevida y revolucionaria de vestir. Se dice que tenía más de 700 vestidos de corte imperio y más de 500 pares de zapatos, y que rara vez repetía el mismo traje. Josefina era una de esas mujeres que sin esfuerzo pueden influenciar a las demás y crear tendencia. Una pionera de la moda.
Hemos escuchado casi de todo: que Jack O’Connell iba a interpretar a Lee McQueen pero ya no, que hay documentales esperando ser lanzados y hasta series con actores famosos encarnando a leyendas de la moda. Pero ahora, tenemos noticias certeras (y variadas) sobre varios iconos de la industria: una serie sobre Cristóbal Balenciaga, otra sobre Christian Dior, un documental sobre John Galliano y finalmente, la grabación de la biopic sobre Lee McQueen.
Además de convertirse en uno de los diseñadores más icónicos de la historia, el tunecino Azzedine Alaïa fue un ávido coleccionista de Haute Couture desde los años ’50 en adelante. Admirador de Adrian y varios otros diseñadores pioneros, Alaïa mantuvo en este hobby secreto -del que nadie sabía nada hasta que falleció en 2017-, varios trajes de una mujer imprescindile en el arte del draping o de dibujar la silueta solo utilizando la tela sobre el cuerpo o maniquí: Madame Grès. Así es como durante estos meses, la Fondation Azzedine Alaïa de París abre sus puertas a la exhibición Alaïa/Grès: Beyond Fashion, la que dialoga con el pasado y busca sus influencias en las colecciones del couturier. Visitamos esta muestra y les dejamos algunas imágenes.
Las décadas de los años 80 y 90 resplandecieron con las supermodelos, convirtiéndolas en auténticas estrellas equiparables a los rostros más famosos de Hollywood. Entre estas destacadas figuras nos encontramos con nombres como Naomi Campbell, Cindy Crawford, Christy Turlington y Linda Evangelista. Estas cuatro notables supermodelos han dejado una huella imborrable en la historia, convirtiéndose en auténticos íconos de estilo para toda una generación, por lo que la edición de septiembre de la revista Vogue ha decidido reunirlas nuevamente.
El viernes 04 de mayo, Nueva York se vistió de gala para la apertura de una esperada exhibición: Avedon 100. Para celebrar lo que serían los 100 años desde el nacimiento del revolucionario fotógrafo Richard Avedon, la galería Gagosian decidió organizar una gran muestra para incorporar parte del trabajo de Dick en lo que fue su aventura por más de seis décadas, desde que apareciera inspirando incluso la película “Funny Face” protagonizada por Audrey Hepburn y Fred Astaire como el fotógrafo.
Collares, prendedores y aros de cocodrilos. Serpientes de oro con esmeraldas, rubíes y piedras preciosas que alguna vez se posaron en el cuello, orejas y cuerpo de la estrella de la época dorada del cine mexicano, María Féliz, regresaron a la capital mexicana en una concurrida exposición de Cartier en el museo Jumex, en el barrio de Polanco.
Dua Lipa en vintage Chanel F/W 1992
Fue una noche en blanco y negro con toques de color. La #METGala 2023 en Nueva York estuvo llena de homenajes, interpretaciones y estilos centrados en Karl Lagerfeld, pero también sorpresas que no teníamos contempladas. Archivo de Chloé, estrellas reutilizando sus propios vestidos anteriores y mucho archivo llegó de la mano de algunas y algunos asistentes. Aquí recopilamos varios de ellos para seguir analizando esta popular ocasión.
Más allá de la polémica por los dichos del pasado, son varios los factores que llevaron al diseñador Karl Lagerfeld a consagrarse como Director Creativo de Chanel y por ende, protagonizar la temática de la próxima (y esperada) gala MET. En 1971 fallecía en su eterna residencia del Ritz Coco Chanel, la mujer más famosa de la moda. Con ello, quedaba atrás un legado que parecía imposible actualizar para las nuevas generaciones. Pero en 1983, el siempre ocupado Lagerfeld asumiría el reto: encantar a un nuevo público que no conocía mucho sobre la historia de la legendaria casa y para ello, se centró en varios elementos.
Retrato de Kate Moss y Lucian Freud. Fotografía de David Dawson.
Por Iker Donoso (@ikerdonosoe).
Hace poco se dio a conocer el nombre de la actriz que interpretará a Kate Moss en la biopic que se basa en la relación musa-artista que tuvo la supermodelo con el pintor Lucian Freud, titulada “Moss & Freud”, dirigida por James Lucas. Ellie Bamber (@elliebamber_), actriz británica de 26 años que ya ha tenido papeles en distintas producciones y aprobada por la mismísima Kate Moss, será la encargada de dar vida a la icónica maniquí.
Por Valentina Leni desde Australia (@valeleni_). Fotos propias.
La exhibición de Alexander Mcqueen en NGV (National Gallery of Victoria), presenta como retrospectiva su trabajo en el diseño desde principios de los años 2000 hasta su muerte. El recorrido comienza con la pasarela que fue lanzada de manera póstuma, y tal vez la de mayor impacto ya que refleja el momento personal por el cual él pasaba, lleno de cuestionamientos, tristeza y oscuridad y en el cual justamente su fuente de inspiración fueron los demonios y entes mitológicos retratados en la era más gótica del arte.
Por @ikerdonosoe
Mediante un anuncio que hizo en sus redes sociales con un video que recreaba su mítico documental de 1991, “Truth or dare”, la reina del pop aseguró un show cantando todos sus grandes éxitos de las últimas cuatro décadas. Desde “Holiday” hasta “Hung Up”, revisaremos sus icónicos looks con los que vistió en videos musicales o presentaciones en vivo, y que esperamos que recree en esta nueva gira que la llevará primero por Estados Unidos y Europa, y quizás después por Latinoamérica.
Quienes triunfan en el mundo de la moda han mantenido una fórmula que parece concretar una carrera activa: estudiar en una prestigiosa universidad internacional, hacer pasantías con creativos respetados y comenzar como diseñador de accesorios o mano derecho de algún gran nombre en una casa de moda. Sin embargo, hay varias historias que tienen como protagonista a rebeldes diseñadores, que triunfaron bajo sus propios términos. Y Azzedine Alaïa es definitivamente el más grande de ellos. La Fondation Alaïa en París mantiene hasta el 2023 la exhibición “Alaïa avant Alaïa”, la que nos muestra cómo fue el camino del tunecino antes de explotar como icono.
Pucci es una de esas marcas instantáneamente reconocibles. Concebir una identidad tan marcada dentro de la moda hoy es casi imposible pero en los ’60, gracias a sus estampados únicos y coloridos, la casa fundada por el italiano Emilio Pucci gozaba de gran reputación entre famosos y amantes de la moda. Tan extendida era su fama que hasta ropa de ski existía de la casa y poco a poco eso fue dejado atrás en las décadas que vinieron. Pucci se transformó en un recuerdo más, en parte de la ropa vintage que todos buscamos hasta que este año un nuevo plan dio marcha a a la etapa 2.0, incluyendo como estilista a la editora de moda Emanuelle Alt.
Un rincón en un sector universitario nos lleva al edificio que alberga el famoso Museo del Traje en Madrid, España. El lugar está lleno de joyas contemporáneas e históricas, como por ejemplo un salón dedicado a los tesoros del artista Mariano Fortuny y su vestido Delphos.
Gracias al trabajo de Daniel Roseberry y su resurrección surrealista, la casa de Elsa Schiaparelli ha podido ser redescubierta por muchos asiduos a la moda. Más allá de desfiles y parafernalia, la diseñadora italiana supo encontrar un nicho único y especial uniendo moda y arte, atreviéndose a jugar con el serio concepto que se estableció hacia fines del siglo XIX y proponer a lo largo de tres décadas, una mirada divertida y colaborativa sobre el vestuario. Y eso es lo que precisamente podemos encontrar en la exhibición Shocking! Les Mondes Surréalistes d’Elsa Schiaparelli en París, la que estará disponible hasta enero de 2023 en el famoso Musée des Arts Décoratifs.
Uno fue el revolucionario absoluto de todos los diseñadores; el otro, el revolucionario de la silueta femenina de los años ’40. Gracias a una nueva exhibición del FIT en Nueva York, el español Cristóbal Balenciaga y el francés Christian Dior pueden convivir a través de su trabajo, creando una narrativa y un diálogo a través de sus siluetas y similitudes bajo “Dior + Balenciaga”, la cual está abierta desde junio en la institución.
Muchas actrices han podido interpretar a Gabrielle Coco Chanel a lo largo de las décadas: Shirley MacLaine, Audrey Tautou y Anna Mouglalis han sido las más reconocidas y ahora se agregará otro icono francés a la lista. Porque nada menos que Juliette Binoche -quien antes incursionó en la moda como rostro de Lancôme-, encarnará a la diva de la moda en los años ’40 en la serie The New Look, la que se encuentra en grabaciones y donde también veremos el personaje de Christian Dior como el diseñador que le arrebata la fama a la creadora de la casa Chanel.
Si hablamos de historia de la moda, quizás la era victoriana sea una de las más atractivas a la hora de analizar contextos y los futuros cambios que veríamos en el vestuario. No solo el corset era distinto al de la era eduardiana de principios del siglo XX, sino que las antiguas relaciones sociales comenzaron a modificarse debido al auge de la Revolución Industrial. Y esto significó que la moda, la arquitectura y las reuniones recibieron nuevos estilos, tal como nos muestra la serie The Gilded Age en HBO. Y los antecedentes son ideales: Julian Fellowes, el mismo creador de la querida Downton Abbey, es quien ideó esta serie que tiene como protagonista a la increíble Carrie Coon.
Por Cinthya Gómez
El 2022 sin duda será un año para confirmar que la moda es cíclica. Muchas tendencias de verano que vimos en décadas pasadas como el tiro bajo y las plataformas, vuelven con intensidad durante el 2022. Con mucha influencia del 2000, un poco de rebeldía del pop punk, y muchas ganas de llamar la atención y vibrar con colores: estas son las tendencias que desde VisteLaCalle recogemos para el verano.
Son pocos los couturiers que a pesar de contar con un entrenamiento clásico, justamente inserto en la tradición misma de la alta costura, busquen su propio camino fuera de ese terreno tradicional. Entre los precursores rebeldes tenemos por supuesto a Balenciaga, quien buscó las formas más simples del japonismo para inspirarse; Pierre Cardin, quien también buscó horizontes orientales y espaciales, además de Courrèges. Pero si alguien redefinió lo que significó el espectáculo haute couture de París desde fines de los años ’70 fue Manfred Thierry Mugler, quien a través de su casa Thierry Mugler -hoy solo Mugler-, convirtió a la mujer en un ser extraordinario, apropiándose de fantasías y glamour, de homenajes que incluyeron mucho más que un vestido brillante y escotado. Y a propósito de su sentida muerte este pasado fin de semana, no podemos dejar de recordar cuáles fueron sus principales contribuciones a una industria que ya no tiene mucho de ese factor espectacular (salvo Piccioli y Roseberry, por supuesto).
Leer las entradas de blogs del día vistiendo cuellos peter pan, inspirarse mirando Tumblr -y curando lo que poníamos en el nuestro-, ver lo que llevaron las it girls del momento a través de los foros de moda más reconocidos. Mirar hacia la década del 2010 significa repasar muchos momentos hipster, pero también ligados a una nostalgia que hoy vuelve a encontrar su lugar: gracias a TikTok y sus videos, todo el estilo vintage de aquellos años promete volver con la fuerza de sus mismas embajadoras, desde Alexa Chung hasta Zooey Deschanel, pasando por películas y más.
Después de 23 años del estreno de la primera película, regresa el fenómeno cinematográfico de las hermanas Wachowski, y sí, este comeback es con todo lo que eso significa. The Matrix Resurrections, coescrita y dirigida por Lana Wachowski se estrenó este miércoles 22 de diciembre y trae de vuelta al eterno Keanu Reeves y la poderosa Carrie-Anne Moss en sus trascendentales papeles de Neo y Trinity, en una historia donde los personajes retornan a la raíz de la Matrix, reviviendo la nostalgia y vibes digitales que no han sido indiferentes para la historia y la cultura pop.
En abril de este año falleció uno de los grandes nombres del diseño de vestuario en el cine: Anthony Powell. A pesar que sus obras cubrieron hasta principios de la década del 2000, no muchos recuerdan el increíble trabajo que legó el inglés a través de aventuras imprescindibles como las primeras adaptaciones de las novelas de Agatha Christie, el acercamiento con Glenn Close a la historia de Cruella de Vil y hasta los trajes de las icónicas cintas de Indiana Jones.
Cada año, la gala es lo más esperado para ver trajes y creaciones dramáticas, confeccionadas acorde a la temática que rige el periodo. Pero es la exhibición el plato fuerte real del Metropolitan Museum of Art (MET), el cual a través de su Costume Institute nos muestra el pasado y el presente para mirar hacia el futuro en términos de moda. Este año, la gala y la exhibición aparecieron en septiembre debido a la pandemia que afecta el mundo desde el 2020, pero eso significó que pudimos apreciarla en vivo y repasar lo que significa la moda norteamericana en su esplendor. “In America: A lexicon in fashion” es el nombre que lleva este espacio donde nos sorprende estilos muy similares a otros de la actualidad.
Poco antes que la revolución andrógina y sin géneros explotara con David Bowie y el glam, uno de los más famosos y populares cantantes de todos los tiempos ya aportaba con su propia cuota de no gender. Little Richard y Liberace fueron pioneros, pero ¿qué pasa cuando el llamado Rey de la música, Elvis Presley, decidía arriesgar todo en pos de usar lo que él quisiera sobre el escenario? Porque en una época donde la heteronorma obligaba a cualquier famoso a seguir el camino dictado por la sociedad, el cantante decidió usar enteritos brillantes y enjoyados, rosados y con capas, creaciones que lo llevaron a trascender aun más y que fueron factura de Bill Belew.
Ha sido noticia durante los últimos días; ya se dio a conocer el trailer oficial de Spencer, la nueva película del chileno Pablo Larraín en Hollywood. Esta cinta que se estrenará este año, contará la historia de los días en que Diana de Gales decidió poner fin a su matrimonio con el Principe Carlos y como ya sabíamos, Kristen Stewart encarna a la querida princesa. A pesar de críticas y comentarios dispares, revisamos algunos de los looks esenciales que hemos visto a través de estos meses con esta esperada historia, que al parecer se estrena en noviembre.
La serie de Ryan Murphy sobre el diseñador Halston no solo introdujo a nuevas generaciones a quien es considerado uno de los iconos de la historia de la moda. Los años ’70, los excesos y Studio 54, junto con el arte del diseño y mucho más, aparece de la mano con el personaje interpretado por Ewan McGregor. Y en este caso, el mundo del norteamericano estuvo integrado por grandes nombres como Elsa Peretti y las denominadas Halstonettes, las musas y modelos favoritas del diseñador. Y entre ellas nos topamos con Chris Royer, quien además de ser una de las modelos oficiales de la casa, se dedicó a coleccionar las prendas de Halston, investigar sobre moda y mucho más.
Fue tan solo hace unas semanas cuando la portada de British Vogue fue protagonizada por Billie Eilish usando maravillosos corsés para la edición de junio. La elegante sesión recurrió a diferentes estilos: desde marcas como Dolce&Gabbana, Valentino, Vivienne Westwood, Mugler hasta Alexander McQueen dieron pauta a la permanencia de la histórica prenda.
La Alta Costura fue la cuna de la moda como la conocemos, aun cuando existen grandes nombres de su historia que no siempre son reconocidos. A través de nuestros cursos online en VisteLaCalle -desde ‘Historia de la Moda’ hasta cualquiera de los módulos de ‘Historia de la Alta Costura’-, indagamos precisamente en cómo se formó el sistema y quiénes han sido los más importantes de acuerdo a las décadas, asegurando transformaciones, contribuciones y estilos que desembocaron en el llamado prêt-à-porter. Aunque también incluimos un nombre semi olvidado de la moda chilena, pionero en triunfar en París.
Fue un británico el que plantó la semilla del patrimonio de bordados, telas y confecciones que guarda Francia a través de la moda. Charles Frederick Worth ideó las bases de un oficio cuidado, lleno de prácticas como desfiles, modelos y eventos de sociedad para mostrar sus vestidos, incluyendo el vestir a celebridades de la era (tal como la pionera Rose Bertin y María Antonieta). Hacia fines del siglo XIX, Worth se convirtió en el primer couturier oficial e implementó incluso la creación de una entidad protectora que derivaría en la Chambre Syndicale de la Haute Couture, hoy dividida por especialidad y con invitados internacionales.
Convirtió un negocio familiar de lingerie en una casa de Alta Costura a principios del siglo XX. Jacques Doucet no solo aportó a la modernización del negocio, sino también con ideas inspiradas en su gusto por lo refinado y práctico: en 1913 lanzó el primer traje femenino de dos piezas o tailleur, mezcló las mangas gigot con la sastrería y el art noveau, considerando bordados de abejas mucho antes que Gucci. Sus ideas vistiendo a famosas del teatro también incluyeron ir más allá del corset: en 1908 lanzó sus versiones de vestidos de cintura alta, todo inspirado por los trajes griegos.
Aportó a la revolución de siluetas de principios del siglo XX, dejando de lado corsets, crinolinas y polizones para dar paso a pantalones harem, abrigos kimono y vestidos corte imperio, fantasías inspiradas en su amor por el Ballet Russes y los diseños de Leon Bakst para la danza. Junto con imaginar nuevos estilos, pudo desatar su extravagancia adornando looks para mujeres que se atrevieron a llevar sus diseños y a pesar de su aporte que permanece en los mejores museos del mundo, murió pobre y olvidado, solo ayudado por su amiga Elsa Schiaparelli.
A menudo se señala a Chanel y Poiret como los revolucionarios que dejaron atrás el corset femenino en pos de un estilo más cómodo. Sin embargo, Jeanne Paquin fue una diseñadora importantísima en la materialización de una nueva silueta, una que lanzó a la par de Poiret tanto en vestidos de corte imperio como en abrigos de inspiración oriental y japonismos. Paquin fue una de las primeras mujeres en pensar en la moda como un negocio que exploró de manera internacional: Londres y Buenos Aires formaron parte de sus aventuras fuera de París y se convirtió en un icono utilizando sus propios diseños antes de Coco Chanel.
El nombre más reconocido y también repetido de la moda tiene de dónde agarrar su fama: Gabrielle Coco Chanel fue una verdadera rebelde que terminó revolucionando la moda. Y lo hizo revalorizando elementos ya existentes para introducirlos en la Alta Costura: ell traje tejido de punto como parte de la elegancia, el negro de luto como símbolo de la sofisticación y el pantalón formaron parte de su presentación por allá por la década de los ‘20. Pero fue su little black dress y los trajes de dos piezas andróginos los que aportaron enormemente a lo que hoy seguimos llevando en nuestros closets.
La moda también tiene sus telenovelas y en este caso, bullada es la que protagonizaron Elsa Schiaparelli y Coco Chanel, rivales de la moda en París. Entre documentales y entrevistas dedicadas al tema, lo que sí podemos decir es que ambos estilos eran completamente opuestos y complementarios: mientras Chanel vestía a la nueva mujer en su vida diaria, Schiaparelli la imaginaba en celebraciones y momentos especiales, recurriendo al arte, sus amigos surrealistas y las piezas más originales que siguen siendo copiadas. Fue la primera en pensar en colecciones conceptuales y divertirse con la Alta Costura pese a que fue superada hacia el fin de la II Guerra Mundial por su rival. Sembró el camino que hoy goza Daniel Roseberry a través de su casa, uno que irónicamente se ha transformado en el más popular en la actualidad versus el letargo de Virginie Viard en Chanel.
Para muchos, el más grande diseñador de todos los tiempos y no por sus piezas escultóricas extravagantes o su artesanía; simplemente, el español Cristóbal Balenciaga ideó casi todas las siluetas que utilizamos hoy. Fue un artista que pensó en vestir a la mujer antes de asentarse en la Alta Costura parisina, cuando aún era un niño de una pequeña localidad de pescadores. Influenciado por el japonismo, lanzó colecciones que no se ajustaban al cuerpo y se inspiró en famosas obras de sus artistas favoritos para ello. Por si fuera poco, fue capaz de formar a algunos de los más grandes nombres de la Alta Costura, todos con distintos estilos y sin ser necesariamente copia del couturier. Incluso el vestido baby doll de su autoría vive hoy un revival apoyado fuertemente en las redes sociales, tutoriales y marcas de retail que lo han coronado como tendencia.
Otro nombre imperdible de la moda corresponde al del francés Christian Dior. Talento tardío pero estudioso, se mantuvo como asistente de varios couturiers antes de lanzar su propia casa a los 42 años. Con la primera colección Corolle, cambió el giro de 1947 y la década posterior al recurrir a la nostalgia por ajustar la cintura casi como homenajeando la sensualidad del corset. A pesar que mantuvo detractores dentro de la Alta Costura, Dior se transformó en ícono, las editoras lo alabaron y todo lo que mostraba en sus desfiles se transformaba en tendencia. Falleció joven y acompañó con sus propuestas grandes imágenes de la fotografía de moda; formó además a un talento sin igual llamado Yves Saint Laurent.
Podríamos haber incluido a Hubert de Givenchy, Lucien Lelong o Christian Lacroix; pero no sería artículo especial si no reconociéramos el talento de un pionero local en la Alta Costura parisina. Serge Matta -si, hermano del pintor Roberto-, no solo se aventuró a instalarse en la cuna de la moda sino también se convirtió en el primer chileno en ser Director Creativo de una casa de larga tradición como Maggy Rouff. Hizo bocetos para Elsa Schiaparelli y lanzó además su propia casa con éxito en los años ‘60, colaborando con otros couturiers como Jean-Louis Scherrer en 1969. Su historia no es muy reconocida y sus diseños se encuentran en fotos de archivo de difícil acceso en Internet, L’Officiel y otros pequeños registros online.
Justo en una época donde vivimos tapándonos la boca y el rostro para lograr inmunidad cotidiana ante la pandemia, la profecía del recientemente fallecido Pierre Cardin parece encontrar su lugar. Dueño del concepto del futurismo, aludió a sus trajes espaciales, la androginia y la Alta Costura recién a fines de los años ‘50 y como buen visionario, su actitud rebelde lo hizo aportar al camino de las colaboraciones asequibles, lo que le valió ser expulsado de la Chambre Syndicale. Pero Cardin pensaba en grande: como arquitecto viajó a Japón, siguió el camino de la influencia oriental que empezaron Poiret y Balenciaga y decidió monetizar su marca en exceso, siendo castigado por la elite pero reconocido a través del documental que se estrenó el año pasado, ‘House of Cardin’.
Balenciaga y Antonio Castillo fueron dos de los españoles que se aventuraron con éxito en la Alta Costura, pero fue otro compatriota el que consiguió un cambio revolucionario en cuanto a materias primas y estructura: Paco Rabanne. Francisco Rabaneda es el nombre de este diseñador que llegó justo en un momento tan álgido y rebelde como sus colecciones; los años ‘60 lo acogieron, sus vestidos metalizados y esculturas para el cuerpo femenino marcaron una era y le dejaron el camino abierto a creaciones como las de Versace en los ‘80. Françoise Hardy, Jane Birkin, Brigitte Bardot, Jane Fonda y Audrey Hepburn fueron solo algunas de las famosas que sucumbieron al oro, la plata y los metales mezclados con cuero, plásticos y otras locuras del llamado joyero de la moda, que hoy sigue en espíritu pero alejado de su casa liderada con éxito por Julien Dossena.
Blanco, minimalista y sport; a pesar de esta sencilla descripción, las prendas de André Courrèges no tienen nada de discretas. No solo forma parte del debate sobre quién inventó la minifalda -sus diseños cortos se remontan a 1962-, sino también impulsó junto a otros la revolución espacial de los años ‘60. Courrèges fue uno de los privilegiados discípulos de Balenciaga, de quien aprendió la buena confección y la calidad de la silueta, además de su amor por los diseños desde la arquitectura. El francés lanzó ideas para el youthquake, propuso estilismos distintos, lentes atrevidos que llevaron hasta Javiera Mena y calzado tipo tabi anticipándose a Margiela. Sus ideas han sido imitadas y su casa sigue sin él, esperando revivir de manera correcta ahora con un nuevo joven diseñador, Nicolas di Felice.
Uno de los grandes nombres del diseño comparte la contemporaneidad con otros que también podríamos haber incluido: Karl Lagerfeld, Emanuel Ungaro y los posteriores Thierry Mugler, Claude Montana, Issey Miyake y mucho, mucho más. Pero es inevitable pensar en moda y no reconocer ese mini vestido de cuadros de colores en homenaje a Mondrian, el traje oscuro llevado por una modelo fumando en blanco y negro o imaginar a Veruschka con un vestido escotado de lazos cruzados. Yves Saint Laurent representa esa última gran revolución, una que se inspiraba en temas polémicos y que sin duda es madre del destape oscuro de Alexander McQueen y el viaje multicultural a través de las pasarelas de John Galliano. Nostalgia, vanguardia, sensualidad, colecciones que están a punto de cruzar la apropiación cultural -o quizás presentadas hoy ya lo habrían hecho-, pero necesarias en cuanto a ver cómo la moda es capaz de tomar cualquier temática y transformarla en trajes e inspiración para nuevas generaciones.
Para conocer más y seguir inspirándose, los invitamos a participar de nuestros cursos. Más información siempre en nuestra cuenta oficial de Instagram, @vistelacalle.
Veraneantes lucen bellos modelos de la Belle Époque en Zapallar (1906). Archivo familia Carvallo
Por Andrea León P. @planetaleoncia
Si el rover Perseverance, que aterrizó en Marte en febrero pasado, hubiera ofrecido pasajes con estadía en un estupendo hotel con vista al universo, los cupos se habrían agotado en minutos. La mayoría de los terrícolas quiere huir de este planeta, sin embargo, no faltan los nostálgicos que coquetean con el pasado y la plataforma enterreno.com es ideal para ellos.
Los primeros días de marzo la han mostrado en el centro de las noticias, ya sea por el violento asalto que sufrió su paseador de perros -y el posterior robo y recuperación de dos de sus queridas mascotas-, así como por su cambio de look. Paseando por Roma, con el pelo más oscuro y llevando bolsos que se unen bajo una misma etiqueta: la de Gucci. Porque este mes, Lady Gaga regresa al cine con la producción de la cinta que contará una de las intrigas más interesantes de la moda, la de la familia que formó la reconocida casa italiana. Gucci es el nombre tentativo de la película de Ridley Scott sobre la familia de Guccio y especialmente, sobre el asesinato que involucró a su heredero.
Voces agudas, hits disco para llenar Studio 54 y estilos ad hoc con los atrevidos ’70. El trío de hermanos Gibb -nacidos en Inglaterra pero asentados en Australia-, se convirtieron en todo un suceso, si no uno de los más grandes de todos los tiempos, cuando lanzaron la banda sonora de ese clásico llamado Fiebre de Sábado por la Noche (1977). Maurice, Barry y Robin conformaron el grupo Bee Gees, uno que reinventó en un punto lo que significaba el pop, a punta de experimentos con voces y altos, grabaciones y ritmos inspirados en el R&B. Su éxito fue tal que los encasilló de manera definitiva y eso es lo que muestra el documental recién estrenado de HBO “How can you mend a broken heart”, el que cuenta además con la participación de fanáticos actuales el ritmo: Mark Ronson, Justin Timberlake, Chris Martin, Noel Gallagher y Nick Jonas, entre otros.
Elle Fanning en lujosos trajes y corsetería típica del siglo XVIII, pensando en la desdicha de su destino; Nicholas Hoult con pelucas, tomando vodka y haciendo las locuras más impensadas adentro de un palacio. Así parte la serie que nos muestra a Catalina II de Rusia, más conocida como Catalina la Grande, a través de la mirada más pop y entretenida, llena de intrigas, de The Great, la serie que debutó en 2020 y que quizás pasaste por alto. Con los Golden Globes y sus nominaciónes, volvemos a revisarla.
Sebastián del Real Ossa lleva ya tres años participando en Thai Silk Road to the World y el Thai Fashion Week, una instancia ideal para explorar la exquisitez de las materias primas provenientes de Oriente. Allí aprendió que la seda locales todo un patrimonio: la Reina Sirikit, una de las grandes musas y clientas de Pierre Balmain en los años ’50, fue su principal embajadora. Con eso en mente y tras varios meses de encierro y crisis, el diseñador chileno propone una colección “que nos haga conectar con el exterior” en sus propias palabras, una que no tiene límites de género. “Para él, para ella, para todos”, agrega.
Para muches, es un nombre que se ha extendido entre licencias y tiendas de retail, perdiendo todo tipo de peso como parte de la Alta Costura. Sin embargo, para la historia de la moda, Pierre Cardin siempre será el rebelde más original jamás conocido; no solo desafío a la voz oficial en los años ’50, sino también fue el primero en acercar la moda parisina a Oriente, incorporar la Arquitectura a la ropa y además, romper barreras con sus diseños Space Age de los ’60. Todo esto y más se puede ver en el nuevo documental House of Cardin, que se supone será estrenado este año.
Luego delo que significó para el mundo de la cultura la llegada de la pandemia y además las sucesivas cuarentenas alrededor del mundo, cines, teatros y museos tuvieron que cerrar y eso significó que la exhibición 2020 del Costume Institute en Nueva York, nunca llegara a abrirse al público. About Time se llamó la muestra que reúne paralelos del vestuario entre diseñadores modernos y estilos de siglos pasados, todos acomodados en los salones del MET que al fin estrenarán esta exhibición, a contar de fines de octubre.
La lucha por los derechos humanos comenzó a tomar aun más importancia a partir de los movimientos de los años ’60 y con ello, un pequeño paso se asomó consolidando lo que ha sido el feminismo: la ratificación de la Enmienda por la Igualdad de Derechos entre hombres y mujeres. Y la trastienda que dio paso a esto se vio desde fines de los años ’60 a través de dos bloques, uno conservador liderado por Phyllis Schlafly y otro liberal, donde sobresalió enormemente la figura de Gloria Steinem. La nueva serie de FOX Premium Mrs. America plasma esta historia, contando con Cate Blanchett en el rol de Schlafly, Rose Byrne como Steinem y Bina Daigeler como la vestuarista a cargo, con quien conversamos en una conferencia de prensa representando a los medios chilenos, antes de su estreno este lunes 21 en la noche.
Entrevistamos a Ricardo Reyes, curador y coleccionista, quien se ha desarrollado como
artista y educador de generaciones de latinos al este de Los Angeles, Estados Unidos. Ricardo ha visto cómo ha sido la evolución de estilos como los míticos pachuco y cholos, quienes dada la forma de vestirse, se expresaban buscando mostrar estatus. Hace 30 años dio una entrevista, donde contó cómo la manera de crear graffitis fue una forma de expresión y creación en las calles que equivalía a tener una casa, con un gran jardín en Beverly Hills. Esta forma de arte fue señalada y castigada, al igual que la forma de vestir de los pachucos.
“¿Por qué Helmut Lang?: Por su estética y su estructura”. Hablamos con Michael Kadamakis, el chico detrás del archivo Endyma, el más grande del mundo con prendas de Helmut Lang, quien desde Grecia nos cuenta que nació orgánicamente mientras el adquiría y revendía las prendas en Internet, hasta que el mismo destino lo llevó a que grandes casas de moda pidieran rentar las prendas.
Hay varias versiones cinematográficas de la novela Emma de Jane Austen, incluyendo la mismísima favorita Clueless (claro, en una versión más libre). Entre las de Gwyneth Paltrow y Kate Beckinsale que se estrenaron en el cine y la TV en 1996, este año apareció una nueva versión que se ciñó a la época y la estética, que además vino a acompañarnos en la cuarentena porque apareció en plataformas de Internet: Emma. de Autumn de Wilde, que además de mantener un estudiado vestuario con guiños a piezas de museo, nos mostró a quien interpretará a David Bowie en su biopic no oficial.
Cuando los punks emergieron como subcultura reinante de los subversivos años ’70, apelaron a símbolos que fueron distorsionados en su estética: desde la exaltación de os falso a través de sus cabelleras teñidas, pasando por el desafío al orden y la autoridad en la ropa rasgada y las joyas con elementos comunes como afileres de gancho, cada una de las prendas que utilizaron eran metáforas de su inconformidad. Y una de ellas fueron los bototos, zapatos militares que en su look reflejaron esa imposición a la autoridad y que se adjudicaron nuevos significados en sus pies. Y a raíz de ello, la marca Dr. Martens se estableció como calzado oficial del movimiento, uno que en abril cumple 60 años desde su creación.
Los años ’70 y ’80 fueron la época perfecta para el trabajo de la diseñadora Fong Leng, quien convirtió las prendas de ropa en verdaderas obras de arte llenas de fantasía y felicidad. Colores, texturas y materiales se unieron creando verdaderos uniformes de otras galaxias, que se tradujeron en vestidos y abrigos que aparecen ligados a una época que ya no volverá pero que de seguro, persiste en momentos donde la creatividad puede nutrirnos como hoy.
La situación es delicada y ya todos lo sabemos: países como Italia y España han decretado una cuarentena absoluta, ordenándole a sus habitantes no salir de sus casas excepto en situaciones muy puntuales. Porque a pesar de todo lo que se ha dicho y leído, el Coronavirus es de rápido contagio y no sabemos aun cuándo dejará de esparcirse. Y ante las medidas que hemos visto por parte del Gobierno en Chile, que decretó evitar lugares llenos de gente y el anuncio de cierres de colegios e universidades por lo menos por quince días, seamos responsables; si podemos trabajar desde casa y no carretear, hagámoslo. Por eso les dejamos esta lista con algunos documentales de moda que podemos encontrar gratis en Internet, para aprovechar esos momentos de ocio y fines de semana conociendo más sobre la interesante historia de la moda.
Nunca dejó de lado la moda, ni siquiera cuando apareció en Monuments Men junto a George Clooney. La francesa Audrey Marnay sigue cautivándonos como cuando aparecía en la pasarela de los ’90, solo que durante las últimas temporadas lo ha hecho con mucha más fuerza, derrochando su encanto en Off White, Louis Vuitton e incluso Lanvin hace algunos días.
Por mucho tiempo, fueron sinónimo de liberación y baile gracias a la imagen clásica de las flappers en los años ’20. Acompañaron sus vestidos, se movieron al ritmo de su desenfado y también aparecieron ligados a los trajes de noche que evocan el glamour de la era del jazz. Los flecos parecen hacer su aparición en propuestas de cada cierto tiempo, pero nunca tanto como en las que llenaron las pasarelas de la temporada F/W 2020: casi cada diseñador incluyó un look que mantenía estos detalles en trajes y vestidos.
Las coincidencias de la moda emergen especialmente en tiempo de semanas de la moda. Los #ItsNotTheSameButItsTheSame aparecen en el trabajo de nuevos diseñadores y también de otros que homenajean el esplendoroso pasado, pero nadie como el británico Richard Quinn ha dado cuenta de tantos referentes en una sola pasada, como lo vimos en su propuesta AW 2020 en London Fashion Week.
Fotografías eróticas y el arte de los retratos extremos es lo que popularizó mayormente el renombrado fotógrafo Helmut Newton, quien fue pionero en el erotismo en la moda de los años ’70. Junto a su esposa June -quien iba por la vida bajo el nombre artístico de Alice Springs-, Newton explayó sus inquietudes artísticas en distintas ocasiones, siendo una de ellas el libro Us and Them (1999), el cual contiene imágenes de famosas con sus hijos pequeños, algo que tiempo después veríamos en la publicidad de moda.
Los años ’60 fueron convulsionados si hablamos de política, ciencia y moda. Este último punto alcanzó la máxima influencia de la tecnología y los logros de la carrera espacial, que inspiraron trajes, vestidos y accesorios liderados por diseñadores como el francés Pierre Cardin. Y gracias a su tenaz estilo y el registro de su incansable mano derecha Yoshi Takata, hoy vemos cómo fue esa revolución en las calles.
En los años ’70, y al igual que otras musas de la moda como Vanessa Paradis y Jennifer Connelly, la actriz Isabelle Adjani creció delante de las cámaras convirtiéndose en una favorita de la crítica y también la moda. Adjani apareció en películas importantes y ganó premios en festivales de cine, pero también asistía a desfiles de moda como los de Chanel. Más de cuarenta años después, esa misma casa la tiene como una de las protagonistas de la campaña de sus lentes de sol junto a otras figuras.
De jugador de fútbol promesa en Sudáfrica a fotógrafo de Patti Smith en la Nueva York de los ’70. La vida de Norman Seeff ha ido por distintos caminos hasta encontrar el que mejor le acomodó. Y así ha llegado a conocer a tantos rostros famosos, a quienes retrata con su inigualable blanco y negro pero además, con un lado mucho más cercano que otros artistas.
Hoy se anunció que el diseñador francés Jean-Paul Gaultier cumplirá 50 años de carrera en su próximo show de Alta Costura y que esa será la última vez que lo veamos como fuerza creativa de la moda. Aunque todos se retiren en algún momento, la noticia sorprendió no solo porque falta muy poco para este último hito, sino también porque de alguna manera, Gaultier es el último rebelde original de la industria. Así que entre pena y admiración, recopilamos algunas de las razones sobre por qué Gaultier debería estar para siempre entre los iconos que ayudaron a moldear la moda como la conocemos.
Daniel Fletcher tomó el puesto de Director Creativo de Fiorucci en su departamento masculino y lo que vimos a continuación fue un verdadero homenaje nostálgico. La marca que en los ’80 era grito y plata entre el underground neoyorquino -contando con Keith Haring como uno de sus más cercanos-, volvió hace un tiempo y Fletcher nos recuerda con su primera colección F/W 2020 el poder de su legado.
La noticia la escuchamos en justo antes de Navidad: el diseñador francés Emanuel Ungaro, falleció el 21 de diciembre de 2019. Con él se fueron algunas de las últimas técnicas y aprendizajes del padre original de la moda, el mismísimo Cristóbal Balenciaga, quien fue su mentor, además de André Courrèges. Ungaro fue capaz de unir tantos tipos de estampados y colores como le era posible, redefiniendo la elegancia más atrevida de los años ’80 con poderosas musas y campañas guiadas nada menos que por Guy Bourdin, ideando incluso el vestuario de la icónica película de John Casavettes, Gloria y dejando como legado el kimono que llevó Cameron Diaz en los Oscars 2002.
Diez años se han ido y con ellos, varios iconos del diseño. Desde leyendas que formaron la base de la moda hasta revolucionarios en sus propios términos, entre 2010 y 2019 nos impactamos con la muerte de varios nombres reconocidos y otros más discretos, pero cada uno de ellos mostró lo mejor de sus estilos, talento e ideas a través de sus colecciones.
En Italia es una de las leyendas más respetadas del diseño de vestuario, pero fuera de Europa, su nombre no es tan conocido como el de Valentino y Gucci, por ejemplo. Roberto Capucci es, sin embargo, un maestro del diseño: a los 20 años abrió su primera tienda, a los 21 montó su primer desfile y en plenos años ’50 revolucionó la silueta utilizando pliegues, vuelos y texturas en la alta costura al más puro estilo del origami y mucho antes que Thierry Mugler.
¿Cómo se puede llegar a trabajar seleccionando vestuario lleno de historia para exhibir en algún museo? Pues la chilena Jessica Meza es una de las pocas personas que cuenta con gran experiencia y especialización en este oficio: gracias a que ha vivido en París gran parte de su vida, ha podido acceder a información y encantarse con este mundo, llegando a transformarse. entre otras cosas, en una experta en Curatoría en el Museo de la Moda en Chile.
No son muchos los nombres que pueden referirse a su pasado como realmente esplendoroso, especialmente si hablamos de moda. En el caso del diseñador español Fernando Sánchez, todo fue glamour, amistades famosas e hitos pop. Fallecido el 2006, Sánchez marcó una era y su nacimiento fue nada menos que en la cuna de los creativos de la moda: Amberes.
“Fue Andy (Warhol) el que me presentó a Grace. Cuando la vi, sentí que su cuerpo era el ideal para pintar. En verdad quería pintarlo, porque encarnaba al mismo tiempo lo más primitivo y lo mejor del pop”, diría el artista Keith Haring en “Autorized Biography” x Bob Gruen. Y así es como llegamos a conocer parte de lo que fue el inicio de uno de los hitos entre moda, música y arte, que tuvo a la cantante y al norteamericano junto a otro icono fotográfico inmortalizando un momento.
El 18 de octubre de 2019 será recordado como el día en que en nuestro traje, confeccionado hace 30 años, reventó la primera puntada de sus costuras. En un efecto dominó, comenzaron a rasgarse las puntadas que seguían, y pronto el traje completo quedó deshecho. Mangas por aquí, solapas por allá, nos dimos cuenta de que el traje era producto de la más paupérrima de las técnicas y de materiales carentes de toda nobleza. Muchos ya lo sabían, pues el traje nunca los había arropado apropiadamente, o simplemente no les quedaba, obligándolos a andar desnudos.
La ropa de segunda mano es la alternativa favorita de muchos a la hora de comprar; no solo por su historia, sino también porque forma parte de las elecciones sostenibles que podemos hacer. Y en este camino, además de seleccionar aquellas que tengan mejor calidad y estilo de acuerdo a lo que nos gusta, nos topamos también con un emprendimiento chileno que mueve tesoros: @slowpieces, el que plantea una selección de prendas de Yves Saint Laurent, Sonia Rykiel y más a precios que van desde los $5.000 a $45.000.
¿Eres fanático de la moda y la publicidad? ¡Este libro es para ti! “La Moda del Siglo XX” (20th Century Fashion) muestra en 592 páginas el progreso de los anuncios de la industria textil mediante la selección de 400 anuncios de moda. En este libro se puede apreciar la colección de Jim Heimann, pasando del cartelismo al trabajo digital, así mismo pone en vitrina grandes marcas como Dior, Adidas, Benetton, Calvin Klein, Reebok, Vans, Nike, Gucci, Pepe Jeans, Guess, Versace, Lacoste e Yves Saint Laurent.