De profesión artista visual, pero con años de experimentación en el diseño de vestuario gracias a la profesión de su padre, se abre paso dentro de la escena de la indumentaria masculina nacional con dos colecciones bajo el seudónimo artístico Matías DeSastre, que junta el oficio de cuatro generaciones de familia ligadas a la confección del vestuario y el interés por el arte y las influencias musicales, melancólicas y olvidadas, de los años 70’s y 80’s. “Mis colecciones [son] una extensión de mi obra en las artes visuales”, nos explica al hablar de sentimientos como desolación, abandono y de entregar una valoración a cada prenda que confecciona, como un objeto único que combata el retail y el desarrollo establecido del diseño de modas.
-¿Cómo incorporas la moda y el diseño de vestuario a tu perfil de artista?
-Me interesa que exista una cohesión en mis trabajos, esta unión de un concepto y una estética en particular que hable de la desolación, el abandono y la melancolía en la actualidad. Tanto en las pinturas que desarrollo como artista visual, como en los diseños de mi colección, abordo un sentir y un representar con los materiales, dándole prioridad a la representación y a la valoración de la prenda como un objeto único que combate el retail y el desarrollo del diseño de moda; al que no me interesa pertenecer…
Provengo de una familia de sastres: abuelos, bisabuelos, padre –Iván San Martín, de quien aprendí directamente el oficio del vestuario– y hermana. De aquí proviene mi seudónimo, una mezcla entre la herencia familiar y la estética del desastre que me gusta abordar.
-¿Qué te llevó a querer realizar ropa para hombres?
-Al tener la influencia de la sastrería de mi padre, empecé a desarrollar cortes y conocimientos en la ropa masculina, y esto coincidió con que considero que es un plano poco abordado, y a la vez mucho más cuadrado. Por lo mismo, me interesa romper y transgredir las concepciones que se tienen sobre la ropa masculina, y así generar nuevas posibilidades en el vestuario.
-¿En qué te inspiras a la hora de diseñar, y cómo es tu proceso creativo?
-Me inspiro en tendencias musicales de los años 70’s y 80’s, en tendencias olvidadas y melancólicas que buscan representar a través de sonidos y una estética oscura y abandonada –posterior al punk–, la actitud del hazlo tu mismo.
Siento que cada vez se pierde más el significado de lo que usas, por lo que me interesa que la prenda tenga una intención y represente una idea y un sentir. Mi proceso creativo comienza desde una emoción y bajo esta emoción busco una forma de representación a través del vestuario: seleccionando las telas y componiendo con las formas en el cuerpo y la unión de las partes. Los primeros pasos son bocetos y juntar ideas, siempre escuchando mucha música, pintando y luego ensamblando telas. Una vez que armo la colección, pienso y visualizo la sesión fotográfica y que el arte de esta también represente el concepto de la línea. En este última etapa, y para mi más reciente colección, trabajé con dos amigos: Tia Mal Huc, en la fotografía, y Lukitas Claudio, en los peinados y cortes de pelo.
-Cuéntanos sobre tus dos colecciones “MEMENTO” Y “MELANCOLIA”, ¿qué inspiró a cada una y cuáles fueron sus propósitos respectivos?
-MEMENTO es la colección de invierno, y está basada en la sobreposición de capas. La realicé cuando estaba en pleno estudio de pintura al óleo, desarrollando la sobreposición de capas sobre otras capas de color (veladuras); y de esta forma generé un desplazamiento y sutil reseña de la pintura al vestuario. El proceso consistió en sobreponer telas transparentes sobre otras de distinta textura, como malla sobre un terciopelo, para generar matices de color y transparencias en una misma prenda. En esta colección en particular, era importante que cada prenda funcionara como un ensamblaje o collage de texturas.
En cuanto a MELANCOLIA, esta se desarrolla en el verano, y busca alcanzar el mismo proceso de matices de la colección anterior, pero con el cuerpo, para crear prendas ligeras y frescas. De esta forma, la malla se relaciona con el cuerpo siempre en tonos monocromos y haciendo contrastes de blanco y negro. La prenda más destacada de esta colección son los polerones de malla en donde el rostro queda completamente cubierto, permitiendo ver desde adentro, pero no desde quien mira el rostro de la persona que los ocupe. Aquí me interesaba desarrollar el concepto de la melancolía y la introspección, para bloquear la mirada y convertir al sujeto en un anónimo. Algunas de mis preferencias vinieron de los trajes zentai de cuerpo entero.
-¿Dónde obtienes tus materiales? ¿Reciclas?
-Utilizo telas nacionales y americanas. En la última colección no reciclé materiales, pero es un proyecto que tengo en mente para la próxima colección. Me interesa la idea de reutilizar textiles en desuso y darles una nueva vida útil.
-¿Cuáles son tus referentes en cuanto a diseño de vestuario?
-Admiro el trabajo Jean Paul Gaultier, Alexander McQueen y John Galliano, pero en realidad mis referentes provienen de escenas musicales independientes, bandas y artistas visuales como René Magritte, quien fue importante para la sesión fotográfica que hicimos.
-¿Cómo defines tu estilo? ¿Podemos hablar de Matías De-Sastre como una marca?
-Lo defino como oscuro, ambiguo, transformable y pictórico. Más que una marca, es el seudónimo que ocupo para exponer mis cuadros y debido a eso, me interesa que mis colecciones se vean como una extensión de mi obra en las artes visuales. Al generar la ropa de forma independiente y autogestionada me cuesta relacionarlo como una marca, pero es algo que iré desarrollando a medida que vaya creando más colecciones y se vaya extendiendo su uso y difusión.
-¿Dónde podemos encontrar tu ropa?
-Existe un Fan Page en Facebook donde actualizo las colecciones y la información de los lanzamientos. La idea es que la gente pueda contactarme por ahí y visitar directamente mi taller para ver la ropa.
-¿Metas para este 2015?
-La idea principal es seguir trabajando en nuevas colecciones. Además de eso estoy preparando exposiciones de pintura durante el año y en mi taller también estaré trabajando con mi colega, Lukitas Claudio, estilista, bajo un concepto que busca generar un pacto entre el vestuario y la peluquería en un mismo sitio. También realizo ferias de arte independiente con la diseñadora de zapatos tras, GataConeja, a las que llamamos Feria Nauta, con el fin de reunir artistas y rescatar oficios para resaltar la mano de obra del artista por sobre el comercio y el retail.
En términos generales, me interesa que el diseño independiente acelere su flujo dentro de la gente. Me parece importante que los artistas independientes nos unamos y generemos esos espacios que no existen para nosotros, para poder exhibir nuestros trabajos y autosustentarnos de nuestro arte.
