Museos, Alexander McQueen y un apasionado nuevo mundo lleno de detalles en confección y creación artística relacionados con el diseño de vestuario y la historia del traje, llevaron al artista visual de la Universidad de Chile, Alexis Carreño, a incorporar el circuito de la moda y sus diseñadores, dentro de su campo de investigación para las bellas artes. Mientras realizaba una beca Fulbright en Teoría e Historia del Arte en la Universidad Estatal de Nueva York, Stony Brook, sus ganas de aprender lo llevaron a conseguirse una pasantía en el Museo del Instituto Tecnológico de la Moda (FIT), donde pasó de pegar estampillas e investigar para exhibiciones, a trabajar como curador invitado en la primera exposición de moda de otro museo, el American Folk Art Museum. Ya en Santiago, Alexis nos cuenta sobre su experiencia en la ciudad estadounidense y de un nuevo proyecto que lo tiene organizando un seminario sobre Moda y Arte en Santiago.
Después de llevar un par de años viviendo en la gran manzana, estudiando sobre teoría de género y arte latinoamericano para su tésis de doctorado, Alexis entró a la exposición que el 2011 marcó un hito para el mundo de la moda, los medios y los museos históricos. “Alexander McQueen: Savage Beauty” fue la exposición que el Metropolitan Museum of Arts de Nueva York (MET) creó en homenaje a la figura del difunto diseñador inglés, quien había cometido suicido hace solo un año, dejando décadas de trabajo nunca antes visto como legado. “Estéticamente fue sumamente relevante y sensorial. En realidad no te puedo explicar con palabras lo que vi o sentí, porque fue muy intenso, pero fue en ese momento en que pensé:<<aquí hay algo que es muy interesante y yo estoy respondiendo a esto de una manera mucho más intensa que lo que estaba viendo en el mundo del arte contemporáneo>>”, explica Alexis, quien inmediatamente después reorientó su investigación de doctorado hacia el mundo de la moda.
-¿Cómo llegaste a ser parte del equipo del FIT?
-Luego de un año apareció una convocatoria para hacer una pasantía en el Departamento de Educación. Postulé, me aceptaron y en un principio habíamos quedado que fuera solo por tres meses, durante el verano, pero al final terminé quedándome un año completo.
Hice de todo, como el almuerzo que el FIT realiza todos los años para destacar a un diseñador reconocido. Ese año era Oscar de la Renta y me tocó pegar las estampillas para los sobres de los invitados. Ya después hice investigación para la página web de las exposiciones que se realizaban en el museo; siempre con experiencias que iban desde lo más básico hasta lo más complejo.
Imágenes de “Alexander McQueen: Savage Beauty” en el MET, 2011
-¿A quiénes pudiste conocer que te ayudaron en este nuevo rumbo hacia el mundo de la moda y el arte?
-Me hice muy amigo de toda la gente del Museo, pero también pude construir una súper linda amistad con la directora del mismo, Valery Steele, a quien conocí luego de la exposición Shoe Obsession. Para esa inauguración ella vestía unas plataformas extremas, que apenas la dejaban estar en pie para hacer el step and repeat, momento en que le tocaba saludar y fotografiarse con los invitados. La cosa es que yo estaba en la biblioteca y de repente me llaman urgente porque necesitaban a una persona para ayudara a Valery a caminar. El elegido fui yo y de ahí en adelante empezamos a desarrollar una amistad mucho más cercana.
“Folk Couture: Fashion and Folk Art”, la primera exposición de moda del American Folklore Museum
Luego de “Alexander McQueen: Savage Beauty” en el MET, los museos se dieron cuenta del gran valor e interés que generaba al mundo entero, el conocer y reconocer los trabajos de grandes diseñadores: “¡El museo tuvo que abrir sus puertas hasta las 12 de la noche porque la gente quería entrar!”, recuerda el mismo Alexis, quien también relaciona el suceso de Savage Beauty con otros acontecimientos que comprobaron la popularidad del circuito. “Esa fue la década del auge de los programas de moda en televisión, de la consagración de las revistas y también a nivel de la academia. Salieron documentales como “The September Issue” (2009) y “Bill Cunningham New York” (2010), al mismo tiempo que Internet hizo que todo fuera más accesible”, agrega.
“Hay gente que compara todo este suceso de la moda con el fútbol. Porque hay programas especiales, comentaristas y eventos programados anuales que tienen la misma expectación e interés, y hay gente que no está ligado al mundo de la moda, pero que sí sabe quién fue, por ejemplo, Alexander McQueen”, finaliza, agregando que fue ese mismo contexto el que llevó al American Folk Art Museum a buscar un curador de modas para su primera muestra relacionada con moda.
-¿Cómo llegaste conseguir el puesto y cómo fue que esta idea de “Folk Couture” se traspasó de tu mente a los maniquíes?
-Yo nunca pensé que iba a quedar porque no tenía experiencia como curador de moda y porque el ambiente es súper competitivo; hay mucha ansiedad por el oficio, pero quedé y fue increíble.
Lo que hicimos fue revisar toda la colección del museo, el catálogo completo, para seleccionar solo 100 piezas que luego servirían de inspiración para los 12 diseñadores invitados a participar en la muestra. Este primer proceso fue un poco intuitivo, pero lo importante y lo que hay que entender de la curatoría de una exposición, es que esta es una creación en sí misma y que si bien uno puede tener ciertas ideas, estas evolucionan. Es lo mismo que cuando un pintor se sienta a pintar un cuadro: parte con los bosquejos, después de sienta y comienza a pintar un trabajo que va cambiando hasta que él dice que está terminado. Eso mismo me pasó con la exposición, y eso es lo que el artista tiene que aprender.
En total fueron 10 meses de todo el proceso, un tiempo bien récord, porque para hacer una exposición mínimo requieres un año.
-¿Cuál fue el resultado con los diseñadores y con qué sensación quedaste tú al respecto?
-Fueron indumentarias que los diseñadores crearon más las piezas que los diseñadores eligieron como inspiración a partir de esta gran selección que hicimos del catálogo del Museo. La verdad es que uno nunca queda 100% contento. A veces uno piensa que tal diseñador pudo haber hecho algo mucho más interesante, tanto de manera conceptual como física, pero el comentario general fue que todo salió excelente.
Otra cosa que uno tiene que aprender como curador es que el trabajo no es solo de uno, es en equipo. Cuando tú eres artista trabajas solo, pero cuando eres curador, trabajas con la directora y curadora del museo, con los diseñadores que invitas a exponer, con la iluminación, con el encargado de prensa, etc. Entonces es como una película: El curador lo que hace es desarrollar el guión e historia para esta película, pero después tiene que llamar a toda esta otra gente para que se haga realidad.
Imágenes de “Folk Couture: Fashion and Folk Art“. La exposición finalmente terminó siendo el tema principal para la tesis de doctorado de Alexis.
Fashion Weeks, Suzy Menkes y el regreso a Chile
Durante su trabajo como curador invitado para el American Folklure Museum, cuya muestra estuvo en exhibición del 21 de enero al 23 de abril de 2014, Alexis también fue testigo de varias otras experiencias dentro del rubro de la moda y los fashion weeks. Una de ellas tuvo que ver con el desfile de la colección Otoño/Invierno 2014-2015 de Thom Browne, en donde consiguió un asiento de primera fila.
“Yo fui con una amiga que era súper conocida del PR de Thom Browne, entonces cuando entramos al desfile nos dijeron que nos podíamos sentar en cualquier parte de la primera fila. Lo chistoso fue que yo y mi amiga quedamos separados, pero los dos en primera fila, y antes de empezar el desfile, viene la PR y me dice: sabes qué te tienes que parar porque el asiento que elegiste está destinado a Suky Menkes. Me paré y ella venía justo para sentarse… ¡en mi silla!”, nos cuenta entre risas.
-¿Cuál fue tu impresión de los desfiles de moda en general?
-Un poco decepcionante porque son súper cortos y porque está súper lleno de gente, pero cuando quedabas bien sentado la experiencia era increíble porque visualmente es muy potente y porque la única manera de realmente apreciar una prenda es viéndola puesta sobre una persona en movimiento.
-¿Quiénes son los diseñadores que se han convertido en tus favoritos?
-Alexander McQueen, Gareth Pugh, Rei Kawakubo, Jean Paul Gaultier, la chilena María Cornejo y de aquí, radicados en Chile, te diría que Juana Díaz y SISA, entre otros, a quienes he podido conocer durante el último tiempo.
-En total fueron 6 años de tu estadía en Nueva York, ¿qué fue lo que más te gustó de esos años y por qué te devolviste?
-No podría sintetizar porque es demasiado y muy intenso, pero de la ciudad en sí te puedo decir que lo que más me impactó fue entender la moda como un asunto cultural. Allá la moda es algo transveral y no solo porque se exhibe en los museos, sino porque es una cosa que está viva en la calle. La gente lo aprecia y es capaz de reconocer un textil, tienen respeto hacia el tema. No te estoy hablando de que alguien se vea elegante o que esté usando ropa de diseñador, tu sabes que en Nueva York hay mucho estilo callejero y subculturas. Entonces existe como una especie de expresión cultural respecto al rubro. Ahora tampoco es que en Nueva York todo el mundo esté a la moda, pero sí hay gente que se dedica a esto y que lo toma seriamente como una expresión cultural muy ligada a la ciudad.
Me devolví por la beca, y tengo que permanecer aquí un tiempo de hecho.
-¿Cuáles son tus planes ahora que ya llevas un bien tiempo viviendo en Santiago?
-Tenemos un seminario que va a llevarse a cabo durante el mes de mayo, en el Museo de Arte Contemporáneo, y pretendo que sea un primer paso para desarrollar una línea de investigación sobre Arte y Moda, pero no sé si dará resultados; tampoco puedo hablar mucho al respecto.
“¿Tu crees que funcione?”, es lo último que nos dice antes de terminar la entrevista, a lo que nosotros le contestamos que por supuesto que sí, y que estaremos apoyando el seminario a partir de mayo, ¡así que vayan preparándose desde ya!
Imágenes de art.stonybrook.edu, Universidad de Chile y American Folklore Musuem
